Por Facundo Sagardoy
Diego Figueroa llegó con su obra como quien trae un reloj desarmado en el bolsillo y lo vuelca sobre la mesa del mundo. «Todo al tiempo en un segundo», abrió sus brazos en el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, el Ñande Mac, desde aquel 8 de noviembre en que la casa nueva del arte encendió sus primeras luces y dejó que la pieza conversara con la colección fundacional de Luis Niveiro, esa memoria que sostiene las paredes y murmura en los pasillos.
La obra no nació de golpe. No cayó del cielo como relámpago. Viene de lejos. Figueroa la recuerda en 2014, cuando era apenas un latido inicial, y la reconoce hoy, once años después, como un cuerpo que aprendió a respirar con el tiempo. Entre un año y otro, la forma cambió de piel, sumó cicatrices, guardó preguntas. Hasta 2025 fue creciendo como crecen los árboles: hacia arriba y hacia adentro.
Cada etapa dejó su marca, como si el hierro, la madera o el material que la sostenga hubieran ido aprendiendo el idioma del artista. No se trata de soporte, dice su trabajo, sino de voz. La materia no calla: habla. Y en esa conversación lenta entre idea y sustancia, la escultura fue afinando su arquitectura secreta, esa lógica interna que no se ve de inmediato, pero que sostiene el equilibrio.
Desde 2006, hay obsesiones que regresan como mareas. El fútbol no solo como juego, sino como rito y bandera; la historia del arte no como museo cerrado, sino como charla interminable; y los materiales, esos cuerpos humildes o solemnes que cargan biografías. Figueroa los mira y les quita el uniforme: no hay nobleza ni vulgaridad en ellos, sino historias que cambian de sentido según la mano que los convoca.
Así, la obra no es inocente. Ningún material lo es. Cada fragmento trae su pasado y lo deja vibrar en el presente. Lo industrial y lo consagrado se dan la mano, o se desafían. La escultura no pide solo ojos: pide memoria. Y en esa fricción entre lo que está hecho y lo que evoca, se espesa el tiempo.
Entrevistado por LA VOZ DEL CHACO, el artista habló del peso simbólico de integrar la muestra inaugural del Ñande Mac, una institución que tardó diez años en volverse realidad.
Exhibir en su región, en esa geografía que lo vio empezar, fue para él un gesto de regreso y de celebración, una estación singular dentro de un recorrido que también lo llevó a Estados Unidos y al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Mamba.
Cuando mira el mapa del presente, Figueroa ve puentes más que fronteras. Ferias que enlazan provincias, la Bienal del Chaco que convoca miradas, el Museo del Barro en Paraguay, el Maca de Uruguay y hasta la futura sede del Centro Pompidou en Foz de Iguazú dibujan, para él, una constelación que desarma el viejo centro y abre el sur como territorio de intercambio.
En ese horizonte, el arte contemporáneo no es un «ismo» que se encierra en etiquetas. Es, dice, el arte de cada tiempo, la forma que encuentra una época para pensarse y contradecirse. «El arte es el futuro, siempre lo fue», afirma, y en esa frase cabe su apuesta: crear no como repetición, sino como anuncio; no como espejo, sino como puerta que se abre hacia lo que todavía no tiene nombre.
-Diego Figueroa, artista visual y referente del arte contemporáneo, autor de una obra de dimensiones monumentales que ha generado un notable impacto en el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes. «Todo al tiempo en un segundo» está en exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes desde el 8 de noviembre. Y no pararon los comentarios, Diego. Más allá de su escala, la pieza dialoga con tu trayectoria y condensa años de investigación, exploración y trabajo sostenido en el campo de las artes visuales. ¿Cómo lee hoy esa relación entre la obra y tu propio recorrido?
-La concepción de esta obra, en realidad, arranca en 2014, que es la primera versión que hay de esta pieza, digamos. Y, obviamente, de 2014 a 2025 pasaron once años, y en esos once años desarrollé muchísimos proyectos, muchas muestras individuales, muchas otras obras en las que pude ensayar o experimentar recursos y mecánicas visuales propias de esos proyectos que, de alguna manera, enriquecieron o ampliaron la problemática que me interesa poner en juego.
Entonces, esta obra tiene su núcleo fundacional en 2014, que es esa idea primaria, pero luego tiene adentro de sí esos once años de desarrollo de proyectos, de mecánicas, de estrategias visuales, que lo que hicieron fue ir ajustando un poco más la propia estructura visual de ese objeto escultórico.
TRADICIÓN, RUPTURA Y PRESENTE
-¿Qué ideas fueron el punto de partida de este proyecto, Diego?
-Esas son preguntas bastante complejas. A mí me costó mucho tiempo confiar en una obsesión interior que tengo con esta obra. A veces lo que me costó fue seguirla, y lo voy pensando mientras lo voy resolviendo. Es como una fe en algo. Yo estoy siguiendo una voz.
Es literal, no es una locura, sino una voz que trata sobre producir una pieza. Y las obras se van enganchando unas a otras. Si vos mirás mi obra desde 2006 a 2026, en realidad hay muchísimos elementos que se repiten. Por ejemplo, el fútbol es una cosa que está ahí, el fútbol como imagen; la historia del arte.
Después hay un estudio sobre los materiales. No es lo mismo este celular que exactamente este mismo celular de oro o exactamente el mismo celular de barro. Hay algo en los materiales con los que está construido un objeto que intercepta su naturalidad y la corrompe.
Entonces ese celular, si es de barro, es el celular, pero el barro tuerce su discurso. La semántica de los materiales, esa carga que cada objeto descarga en nosotros, es algo fundamental. La carga de los objetos y, sobre todo, la historia de los materiales, creo que es muy importante en mi trabajo.
«No hay ley que diga qué es una escultura»
-Algo que observa el público cuando ve su obra es cómo el objeto cotidiano puede ser resignificado en obra de arte. ¿Qué lugar ocupa esa actitud del público dentro de su propio plano creativo?
-En primer lugar, cuando pienso una obra hay un impulso interno, es mi verdad. Pero inmediatamente después tengo en la cabeza a ese otro, que es el público. En mi trabajo no hay nada que me toque desde lo afectivo; para mí son ecuaciones. Pero tengo todo el tiempo la mente de los demás.
Entiendo que alguien diga: «Es un envase de lavandina». Y yo no entiendo cuál es la diferencia entre un envase de lavandina y un tronco tallado o un mármol de Carrara. No hay ninguna ley que me diga qué tiene que ser una escultura. Puede ser plástico, diamante o cartón. Marcel Duchamp lo hizo en 1914. Hace más de cien años abrió un punto de inflexión y seguimos trabajando sobre esa problemática.
Si cada objeto está en una posición específica que quiebra su estado natural, entonces está en expansión y en movimiento. La obra es como una pintura en el espacio que funciona desde todos los puntos desde donde la quieras observar.
-Le agradezco mucho esa descripción abundante en detalles respecto de tu percepción en el plano creativo. También el tiempo que le está tomando para explicar cada uno de estos puntos. Lo que nos gustaría ahora es preguntarle qué siente viendo la obra en el Museo de Arte Contemporáneo y compartiendo esa escena con Jorge Tinner, por ejemplo.
-Jorge ha sido la persona más importante con la que me crucé desde que comencé a tratar de entender qué era el arte. Es un amigo, casi familia, un hermano. Ha sido el interlocutor fundamental en mi vida artística.
Creo que nuestras potencialidades juntas y la problemática que desarrollamos en nuestras charlas nos llevaron a lugares a los que ninguno hubiera llegado solo. Es un honor verdadero ser colega de Jorge y ser su amigo es un placer.
-Surge el Museo de Arte Contemporáneo, pero también hay un circuito que se viene consolidando: ferias en Resistencia, en Corrientes, en Buenos Aires, en Córdoba, en Salta; museos como el Museo del Barro; la Bienal del Chaco; el Maca en Uruguay; proyectos en Foz de Iguazú, sede del Pompidou. ¿Qué le produce este florecimiento en relación con la preservación del patrimonio a través del arte visual?
-Creo que lo que está pasando es maravilloso. Hace 20 años esto era impensado. Hablar de un museo contemporáneo era ciencia ficción. Las ferias permiten que artistas locales accedan a coleccionistas que, en otros contextos, se perderían entre miles de obras.
Todas las sociedades que reconocemos a lo largo de la historia le han dado al arte un lugar de importancia extrema. En el arte, como en el deporte, está la pureza de la potencia humana. Los estados y los pueblos tienen que apostar a eso, porque es el futuro.
El arte no es algo que pasó hace mucho tiempo: está pasando ahora. Es un punto de inflexión de hoy para mañana. El arte es el futuro, siempre lo fue.
-Muchas gracias, Diego.
-Gracias a vos, Facu.
Ñande Mac y el pulso contemporáneo
-Proyectos de este estilo también estuvieron en exposición en Estados Unidos, en Buenos Aires también se puede apreciar una de estas obras con características similares dentro del Museo Moderno, Mamba. ¿Qué significa haber pasado a ser parte de la muestra inaugural del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, una institución que se viene formando hace ya diez años y que el 8 de noviembre vio la luz junto con la colección Luis Niveiro y artistas invitados que también vienen acompañando su trayectoria?
-Creo que no hay honor más grande. He laburado mucho, he generado muchos proyectos, muestras individuales y colectivas en museos e instituciones, pero creo que, al momento de hoy, no hay una pieza en un lugar que me haya importado más.
Si bien yo vivo acá, mi trabajo como artista por ahí funciona un poco más fuera de acá. Tengo muy poca visibilidad local. Que exista este museo, el Ñande Mac, el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, creo que es un hito importante. Y estar en ese museo, gracias a Luis Niveiro, que dio el asalto fundacional.
Para esta obra hubo diez días más de trabajo, porque me lo tomé muy en serio: es el museo de mi lugar, de mi región. Yo quería que el público local o el público de otro lugar que venga a nuestro museo pueda encontrarse con algo que al menos le genere un interrogante en la cabeza. Para mí es un honor y un placer.
-Desde su experiencia y tu trayectoria, y lo que pudo apreciar también -3.500 personas en Corrientes apreciando obras en el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes-, ¿qué desafíos toca al arte a partir de ahora en esta región, Ciudad de las Esculturas, muy acostumbrada a apreciar obras de arte visual en formato escultórico en las calles?
-Primero, se habla de arte contemporáneo, pero el arte contemporáneo no es un «ismo», no es cubismo ni surrealismo. Es un término que apareció ahora, pero el arte, a lo largo de la historia, siempre fue contemporáneo a su época.
Leonardo da Vinci lo recordamos hoy por «La Gioconda» porque la mecánica que puso en juego rompía su contemporaneidad. Picasso fue un artista contemporáneo, Goya fue un artista contemporáneo, y cada artista que conocemos a lo largo de la historia lo fue en su tiempo.
El arte contemporáneo es algo que funciona hoy, en este momento, en este espacio y en este tiempo, y hace un agujero en el tiempo, marca algo que queda. Te pongo el ejemplo del «Fountain» de Marcel Duchamp: es un hueco en el espacio-tiempo que demostró que algo quedaba. Eso es el arte contemporáneo. El arte debe quebrar el tiempo y generar cierta incomodidad, ciertas preguntas que las personas no se hacen de otra forma.