El artista visual, coleccionista y fundador del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, entrevistado por LA VOZ DEL CHACO, destacó la consolidación de la colección fundacional y su proyección hacia una segunda etapa de exhibición, con obras de destacados artistas, entre ellos, Jorge Sarsale, Daniel Sotelo, Lucía Pacenza, Claudio Barragán, Juan Canavesi, Susana Lescano, Ana Lizazo, Carolina Antoniadis y Hernán Dompé. Niveiro resaltó la diversidad del arte contemporáneo argentino y la generosidad de los artistas como base de un patrimonio sustentado en la excelencia, el conocimiento y la libertad creativa, en continuidad con la experiencia del Museo Emilio Caraffa.
Por Facundo Sagardoy
Para LA VOZ DEL CHACO
El artista visual, coleccionista y fundador del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, Luis Niveiro, repasó en una entrevista con LA VOZ DEL CHACO la incorporación de nuevas obras a la institución, en el marco de una segunda etapa de exhibición de piezas pertenecientes a la colección fundacional del proyecto Ñande MAC.
Recordó que la iniciativa comenzó en 2017, a partir de la donación de parte de su colección privada, y que posteriormente se amplió con aportes de artistas de distintas provincias.
Entre las obras y los autores mencionados figuran Jorge Sarsale, Daniel Sotelo, Lucía Pacenza, Claudio Barragán, Juan Canavesi, Susana Lescano, Ana Lizazo, Carolina Antoniadis y Hernán Dompé.
Niveiro destacó especialmente la diversidad de trayectorias, materiales, lenguajes y procedencias que conforman este patrimonio, así como la generosidad de los artistas que participaron del proyecto.
En ese marco, destacó la exposición de las donaciones realizadas por artistas cordobeses en el Museo Emilio Caraffa subrayando que el objetivo continúa siendo consolidar una colección sustentada en la excelencia, el conocimiento artístico y la libertad creativa.
Jorge Sarsale: Geometría, materia y delicadeza
-Se acerca una segunda etapa de muestra y exposición para el Museo de Arte Contemporáneo con muchas obras parte de la colección fundacional en exposición.
-Así es. Se trata de obras que llegan a través de una convocatoria que comenzó en 2017, cuando tuvimos la idea de crear el Museo de Arte Contemporáneo a partir de la donación de una parte de mi colección privada.
A partir de entonces, también comenzaron a ofrecernos obras de sus propias colecciones y, de esa manera, se generó un círculo virtuoso de donaciones que permitió conformar un patrimonio fundacional para el Museo.
La muestra comienza con una obra de Jorge Sarsale, a quien conocí a través de Carolina Antoniadis, con quien era muy amigo. En una oportunidad, Carolina me invitó y me dijo: «Mirá, tenés que conocer a Jorge, porque tiene una producción muy interesante». Así fue como nos encontramos. Fui a su taller, me mostró su obra y, en realidad, sus trabajos me parecieron muy interesantes y lo siguen siendo.
Finalmente, llegamos a un acuerdo para elegir una de sus obras, que posteriormente fue trasladada, donada y exhibida durante la apertura del edificio del Museo. Esa fue, en síntesis, la historia.
Después, por supuesto, mantuvimos el contacto: Jorge vino a comer a casa, nos encontramos en distintas oportunidades y siempre nos saludamos. Es una persona muy interesante, con una producción que trabaja tanto sobre el contenido como sobre los materiales. Utiliza papeles superpuestos y desarrolla una estética muy delicada y refinada, vinculada con la geometría.
Daniel Sotelo: Cuando la materia toma la palabra
-Siguiendo este camino, podemos encontrarnos con otra obra de Daniel Sotelo, que fue el último en incorporar una escultura antes de la inauguración del museo, del 8 de noviembre pasado.
-Sí, en realidad, Sotelo fue una sorpresa para mí, en el sentido de que conocía algunas de sus obras, pero no sabía quién era personalmente.
Hasta que, cuando el museo ya estaba próximo a inaugurarse, él se acercó a mí en Corrientes y me dijo: «Mirá, Luis, yo soy fulano tal y me gustaría donar una obra y formar parte de la colección». Le respondí: «¡Por supuesto! Yo conocía tu obra, pero no te conocía a vos ni tenía referencias personales tuyas». Y le dije que, además, como era correntino y escultor, sería un honor que formara parte de la colección.
Tenía todo el derecho de estar allí, en principio, por la calidad de su obra y también por otras cualidades profesionales que podía apreciar en la realización de sus trabajos. Entonces me invitó a su taller.
Fui y estuvimos viendo algunos trabajos pequeños que estaba realizando como parte de un proceso que después llevaría a obras de mayores dimensiones. Finalmente, me dijo: «Mirá, esta es la obra que a mí me gustaría que estuviera en el Museo». Y así fue como llegó la obra.
De hecho, todavía tenemos algunos papeles pendientes, porque falta firmar el certificado de donación, pero la obra ya está en el Museo, fue exhibida y tuvo mucho éxito y aceptación. Así que, para mí, fue una sorpresa haberlo conocido y descubrir personalmente a un artista cuya obra ya conocía. Esa es la historia.
Pacenza: La permanencia de una mirada escultórica
-A pasitos de Sotelo, una artista visual histórica, Lucia Pacenza.
-A Lucía Pacenza la conozco desde hace mucho tiempo, desde los años 80, cuando viajé a Buenos Aires. Así como la conocí a ella, conocí también a la mayoría de los artistas que todavía siguen produciendo; otros, lamentablemente, ya no están con nosotros.
En una oportunidad, Lucía me llamó y me dijo: «Qué bueno lo que estás haciendo. Me gustaría también ser parte del proyecto. Tenés que venir a mi taller». Yo ya había estado allí en otras ocasiones, pero esta vez fui específicamente para ver sus obras con mayor detenimiento. Fui con Óscar Bernal e hicimos una recorrida exhaustiva, con una mirada más profunda sobre su producción, porque había muchas piezas hermosas, todas realizadas por ella en mármol de Carrara. Lucía tiene más de 80 años y continúa trabajando, aunque actualmente lo hace en una escala más pequeña, no menor en importancia, sino en dimensiones. Sigue plenamente vinculada con la actividad artística. En esa oportunidad me dijo: «Bueno, elegí lo que quieras». Para mí fue un gran compromiso, porque había obras muy hermosas, incluso algunas de dimensiones museísticas. Cuando llegó el momento de elegir, decidí darle participación a ella para que también me orientara. Finalmente, Lucía eligió un mármol de dimensiones más bien pequeñas. Yo acepté su elección y esa fue la primera obra que incorporamos. Pasaron dos años y después me dijo: «Mirá, Luis, vos sabés que quiero que vengan de nuevo, porque quiero donar otra obra más». Como ya llevábamos varios años trabajando en este proyecto, no era la única persona que estaba ofreciendo una segunda donación, pero acepté y volvimos a su taller con Óscar Bernal.
Durante esa visita encontramos una pieza de museo fantástica, realizada en la década del 70, que, creo, tiene relación con el surrealismo de esa época. Óscar la observó y le preguntó a Lucía: «¿Y qué te parece esta? ¿La podés donar?». Y Lucía respondió: «Sí, me encantaría que esa obra esté en el museo». Yo me entusiasmé muchísimo y sentí una gran satisfacción, porque realmente me había gustado esa obra.
Sin embargo, como era una pieza tan importante, nunca me animé a decirle directamente. Actualmente está en el Museo y fue exhibida durante el día de la inauguración.
Claudio Barragán: La generosidad como legado
-Aquí junto nomás también Claudio Barragán, que expuso en 2019 una obra ya icónica en dentro de la colección: «Miedo a perder la cabeza».
-Sí, en realidad, con Claudio Barragán tenemos una amistad de muchos años, también desde la década del 80. Su padre fue un artista muy conocido por su pintura y su madre, Nieve Aler, también fue artista. Ella era oriunda de la isla Choele Choel, en Río Negro, y se dedicaba a la cerámica, trabajando fundamentalmente con barro.
Digo esto porque Claudio primero donó una obra que me pareció muy interesante y que me gustó mucho. Me dijo: «Mirá, esta la tengo para la colección». Me interesó especialmente porque tiene cierta ironía, y a mí me gusta mucho la ironía en las obras de arte.
Después me comentó: «Mirá, yo tengo mucha obra de mi papá». Entonces me ofreció una obra de su padre y elegimos una para incorporarla a la colección. A partir de eso, le pregunté: «Pero escuchame, si tenés tanta obra, ¿vos te animarías a donar una obra para el Museo de Bellas Artes de Corrientes?». Y me respondió: «Sí, cómo no».
Finalmente, seleccionamos una obra de su padre para el Museo de Bellas Artes de Corrientes Juan Ramón Vidal. Es una pieza de mayores dimensiones, de aproximadamente 1,80 por 1,50 metros, más grande que la que había elegido para el Museo de Arte Contemporáneo. Para mí fue un honor que Claudio haya mostrado, sin titubear, una enorme generosidad al aportar también una obra para el Museo de Bellas Artes de Corrientes, que hasta ese momento no contaba con una pieza de su padre, Julio Barragán.
Después también donó una cerámica de su madre, Nieve, para el Museo de Arte Contemporáneo. Por eso, la visita a su taller fue muy fructífera: entré sin nada y salí con tres donaciones, dos destinadas al Museo de Arte Contemporáneo y una al Museo de Bellas Artes de Corrientes.
Juan Canavesi: Excelencia y respeto por la propia obra
-Junto a «Miedo a perder la cabeza», Juan Canavesi.
-Sí, con respecto a Juan, fue una sorpresa, realmente un hallazgo. Mi segunda o tercera provincia después de Corrientes fue Córdoba. Allí estuve durante muchos años y, aunque algunos de esos artistas ya no están con nosotros, sigo teniendo muchos amigos, todos vinculados al mundo del arte.
Muchos de ellos, cuando viajaban a Buenos Aires, se alojaban en mi casa. Cuando venían a exponer en galerías porteñas, a participar de ArteBA o a realizar distintas actividades, mi casa se convertía en un punto de encuentro. Se reunían allí, compartíamos y, muchas veces, se quedaban a dormir. Sin embargo, no conocía a Juan Canavesi.
En una oportunidad fue él quien se acercó a mí y me dijo: «Mirá, Luis, yo soy artista de Córdoba». Él ya me conocía porque yo había expuesto varias veces en Córdoba, en el Museo Caraffa y en otros espacios, y también había participado en distintos premios, como el Pro Arte de Córdoba y el Premio Banco Suquía. Incluso obtuve algunos reconocimientos. Por eso, la comunidad artística cordobesa siempre me recibió con mucho cariño y me consideró uno más de ellos.
Conocía, entonces, a buena parte de la comunidad artística de Córdoba, pero a Juan no lo tenía registrado. Hasta que un día se acercó y me dijo: «Mirá, Luis, yo te sigo por las redes y qué bueno lo que estás haciendo con el proyecto Ñande MAC. A mí me gustaría hacer un aporte, que una obra mía esté ahí». Le respondí: «Mandame fotos».
No tardó en hacerlo y, a partir de ese intercambio, descubrí que era una persona muy profesional, muy atenta a su trayectoria y sumamente cuidadosa con su obra. Me transmitió una energía muy especial. Me gustó mucho la excelencia de su proceder, el respeto por su producción y la dedicación que pone en su trabajo. Cuando me envió las fotografías, hubo una que me impactó especialmente. Después de observarlas varias veces, no tardé en llamarlo y le dije: «Mirá, Juan, a mí me encanta esta obra. Me parece algo espectacular». Le expresé todo mi entusiasmo porque realmente me habían sorprendido la estética, el color y toda una serie de elementos que componían la obra. Y él me respondió inmediatamente: «Esa es, seguro». Así fue como se encargó personalmente de enviar la obra.
Susana Lescano: El dominio de las formas y del color
-Unos pasos más allá, se encuentra Susana Lescano, con una escultura geométrica.
-Susana también forma parte del colectivo artístico cordobés. La conocí hace muchos años, aunque no recuerdo exactamente en qué circunstancia. Seguramente coincidimos en algunas muestras colectivas en Córdoba y en determinados premios, yo en pintura y ella en escultura.
De cualquier manera, nos encontrábamos habitualmente en las inauguraciones de exposiciones de otros colegas y también en la feria de Córdoba. En una oportunidad le comenté que me parecía interesante que formara parte del proyecto. Ella no dudó en ningún momento y me invitó a su casa.
Allí recorrimos los distintos espacios, que estaban llenos de obras, y me impactaron especialmente el color y las formas de su producción. Yo ya tenía referencias de ella como escultora de grandes dimensiones, porque sus obras están presentes en distintos espacios públicos de Córdoba.
Tengo especialmente presente una de sus obras ubicada en el espacio público de la Universidad Nacional de Córdoba y también otras que se encuentran en diferentes lugares de la ciudad.
Finalmente, así fue como seleccionamos una de sus obras. La decisión se tomó rápidamente a partir de la pieza que había elegido y, de esa manera, su trabajo pasó a formar parte de la colección del Museo.
Ana Lizaso: Monumentalidad, luz y una identidad singular
-En esta oportunidad, Ana Lizaso, que también forma parte de este conjunto de artistas que expuso para Ñande MAC en el Museo Caraffa, es una de las novedades de esta nueva etapa en la que el Museo de Arte Contemporáneo se abre al público.
-Sí, en realidad, Ana Lisazo es de Buenos Aires. Desarrolló toda su carrera allí y, si mal no recuerdo, fue discípula de Juana Heras Velasco, otra gran escultora que ya falleció y que también tenía una fuerte relación con el Litoral. Creo que Juana nació en Santa Fe y murió hace algunos años, a una edad avanzada. Ella fue maestra de Ana.
A Ana Lizaso también la conocí en el circuito de exposiciones de Buenos Aires. Por lo general, coincidíamos en muestras organizadas por Nelly Perazzo, una crítica de arte que dedicó buena parte de su trayectoria a promover la escultura y, especialmente, la producción de mujeres escultoras.
En aquella época, la escultura era una disciplina con una presencia predominantemente masculina. Con el tiempo, esas perspectivas se fueron ampliando y Nelly Perazzo tuvo un papel importante en la promoción de escultores, particularmente de las mujeres que se incorporaban a esa disciplina. Fue allí donde conocí a Ana.
Después ella se enteró del proyecto y me dijo: «Mirá, Luis, contá con una obra mía, me encantaría participar». Entonces combinamos y fui a su taller. Tenía un galpón espectacular, lleno de obras magníficas, en su mayoría de grandes dimensiones, con mucho color y una estética muy definida. Así fue como donó una obra. La tuvo durante tres o cuatro años en su galpón, hasta que llegó un momento en que me llamó y me dijo: «Mirá, Luis, yo voy a avanzar con el taller y me voy a vivir a las Altas Cumbres, allá en Córdoba, así que tenés que venir a buscar la obra».
Entonces me ocupé de organizar el traslado y la obra llegó a Corrientes. Pero, mientras estaba desarmando su taller, descubrí otra escultura suya que también me pareció muy interesante. Era una pieza de grandes dimensiones, de aproximadamente tres metros de largo por cincuenta centímetros de alto, con su correspondiente base. Le pregunté qué iba a hacer con ella y me respondió que no sabía dónde colocarla. Entonces me preguntó: «¿Te querés llevar?». Le dije que sí y también la traje. Esa escultura está compuesta por cinco elementos y tiene un sistema lumínico.
Cuenta con una instalación eléctrica que permite iluminarla desde el interior y, a través de la madera calada, la luz se proyecta hacia los laterales. Produce un efecto lumínico muy interesante y actualmente también está en Corrientes.
Antoniadis: Trayectoria, libertad y evolución
-Carolina Antoniadis también se incorpora al proyecto.
-A Carolina la conocí cuando yo tenía alrededor de 30 años y ella era algunos años menor. Creo que recién había terminado sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en Buenos Aires. La conocí a través de Ennio Iommi, un gran escultor y también un gran amigo. Con Ennio Iommi incluso intercambiamos obras. Yo conservo una pieza suya de la década del 50 y él también tenía una obra mía.
Ennio siempre estuvo rodeado de artistas jóvenes porque era una persona muy inquieta y tenía un gran interés en transmitir sus conocimientos. Buscaba que los jóvenes se reunieran, se fortalecieran como grupo y pudieran desarrollar cada uno su propia trayectoria como artistas.
En ese contexto conocí a Carolina. Por eso tenemos una amistad de larga data, desde los años 80, aproximadamente desde 1984 o 1985. Con ella no hubo ninguna dificultad para incorporarla al proyecto. Se sumó prácticamente de manera automática porque existía una relación de mucha confianza. Nos formamos artísticamente juntos, podríamos decir.
En aquella oportunidad fui específicamente a su taller para elegir una obra. Carolina me ofreció piezas de distintas etapas de su producción y con diferentes imágenes. Eran obras bidimensionales, aunque algunas tenían bastidores de distintas formas, algunos cuadrados y otros circulares. Finalmente, elegimos una de ellas para incorporar a la colección.
Dompé: Hierro, color e imaginación
-Por último, está Hernán Dompé, con «Cuchillo pez», otro de los artistas vinculados con Córdoba. Su nombre también es especialmente recordado en esta región porque fue el primer ganador de la Bienal Internacional de Esculturas de Resistencia. Ahora regresa con «Cuchillo pez», que forma parte de la colección Niveiro y se incorpora al Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes.
-A Hernán también lo conocí en los 80. Siempre me impresionó y me llamó la atención la estética de sus obras, con una fuerte influencia de imaginarios guerreros y vikingos.
Él también tiene cierto aspecto vikingo, porque es muy rubio, de ojos claros y de expresión seria, aunque es una persona de gran corazón y un excelente tipo. Sus obras de las décadas del 80 y 90 mostraban una trayectoria en ascenso. Siempre fue muy original con los materiales que utilizaba. Trabajaba con hierro, plomo, madera y piedra. Era un artista muy dedicado al trabajo. Con el tiempo entablamos una amistad muy buena, también con su primera esposa, que era artista plástica. Después de atravesar una gran pérdida familiar, Hernán tomó la decisión de irse a vivir a Córdoba, a La Cumbre. Sin embargo, nuestra amistad continuó y, en estos últimos años, incluso se fortaleció. Cuando se enteró del proyecto, me dijo: «Mirá, Luis, contá conmigo, yo te voy a donar una obra». Como siempre tuve la impresión de que era muy cuidadoso con su producción, también fui muy prudente al acercarle el proyecto y conocer su opinión. Sin embargo, ocurrió todo lo contrario: me respondió inmediatamente.
Después me sorprendió con la obra que finalmente donó, porque realmente es una pieza muy importante, de gran calidad y, además, representa una enorme generosidad. Tiene un color que siempre lo caracterizó, especialmente en una etapa determinada de su trayectoria. Con el tiempo, ese azul terminó convirtiéndose casi en una marca registrada de su producción, particularmente en sus trabajos con metal. La obra también fue exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo y anteriormente formó parte de la muestra realizada en el Museo Emilio Caraffa, cuando se presentó una selección de las obras donadas por artistas cordobeses al proyecto Ñande MAC.
Yo les había planteado que me gustaría presentar las donaciones de todos los artistas cordobeses en el museo insignia de la provincia de Córdoba, el Museo Emilio Caraffa. Finalmente, allí se realizó la muestra con las obras de los artistas cordobeses que habían donado al proyecto. La exposición tuvo una gran repercusión y permitió mostrar al país, y especialmente a Corrientes, el apoyo que el proyecto recibió de los colectivos de artistas de distintas provincias. Estoy muy orgulloso de la generosidad con la que colaboraron, aportando obras importantes y de gran calidad. Siempre digo que hay que apuntar a la excelencia, al conocimiento sincero y académico, y también a esa cuota de libertad y de imaginación propia de los artistas, con sus vuelos creativos para realizar las obras. Creo que en algunos casos conseguimos más que en otros, pero seguimos apuntando a la excelencia.